'Hecho en México', el mensaje de unidad nacional producido por Emilio Azcárraga

Sinceramente, no me pudo quedar peor sabor de boca que cuando descubrí que esta película, que prometía ser un mensaje de unidad, identidad, optimismo y cultura mexicana era producido por Emilio Azcárraga, el gran monopolizador de medios de comunicación en México y más cuando durante la película se hizo crítica a los medios que no hacían libre la información que llega a los mexicanos.

En fin, fuera de esta inmensa frustración, 'Hecho en México' no es más que otro retrato lejano de la vida en México, claramente tenía que ser dirigida por un extranjero. Lo interesante es que, cuando uno ve el trailer, le entra un gusto, una emoción de ver reflejada su cultura por una inmensidad de personajes mexicanos de gran valor sólo para descubrir que 'esto' es sólo un retrato pop del mexicano nice.

Queridos lectores, no es mi intención denigrar a mi país, al cual amo más que a mí misma, sin embargo, me molestan las formas en las que a los extranjeros se les hace fácil retratar un México bien reducido a 'nopal', 'música Indie' o 'banda', no más... No somos eso, describir a México es una responsabilidad inmensa, en la que si no se hace bien, serás seguramente víctima de una crítica durísima.

Aunque las intenciones parecen ser buenas, como lograr la unidad, la identidad (tan perdida) nacional, y fomentar el orgullo por ser mexicano, el mensaje no está bien estructurado y mucho menos bien dirigido, la película debe de ser para CUALQUIER mexicano, si es que por eso se está exhibiendo en abundantes salas del país y sin embargo, al parecer del director, seguimos siendo una cultura de nopal, que, siendo inglés, nos ve con una admiración/lástima que no necesitamos.
La película se subdivide en categorías tales como 'Libertad', 'Vicios' (¿?), 'La Vírgen de Guadalupe' etc.. etc... que si bien son temas de importancia (o algo así), no existe una cohesión y unidad (irónicamente) entre ellos, simplemente son temas para excusar que Chavela Vargas nos cante una canción... o que salga Carla Morrison. Desde mi punto de vista, una película no se hace para presumir a quien sale, sino para que ese 'alguien' entregue un mensaje importante sobre algo.

No me queda claro ni siquiera si esto es un documental, un musical, o una burla hacia el mexicano, tampoco me queda claro qué es lo que se sugiere, y cuál es el concepto del creador del mexicano, lo que sí me queda claro es que México tiene mucho de qué hablar y sus figuras más importantes no se reducen a músicos (aunque es bueno mencionarlos), artistas pop como Diego Luna y unas cuantas culturas indígenas... México es su comida, sus paisajes, la gente que trabaja a diario para sacar el país adelante, desde el tortillero hasta el empresario, sin importar que sea un 'güerito', un emo, un reggaetonero, porque si sólo se va a presentar a México parcialmente, entonces no se presume la película como un extenso análisis de México, sino sólo del sector que se quiere abarcar.

 

'Melancolía' arrasará con el mundo

'Life on Earth is evil'

...O así nos lo hace ver Lars Von Trier en su nueva y polémica cinta acerca del fin del mundo.
Todo esto se sitúa después de la catastrófica boda de Justine en la hermosa residencia de su hermana Claire, en la que la aparición de su madre arruina por completo el momento más importante de toda mujer, de ahí se viene una catástrofe mayor, en la que cada personaje sacará sus peores impulsos para lograr salvarse en el fin del mundo.

Cada vez estoy más convencida de que Lars Von Trier ha enloquecido, pero curiosamente, lo ha hecho de una manera hermosa, en la que nos deja ver que como cineasta se ha consagrado, pasando con su filmografía actual a la sala de los inmortales del cine. Sus temáticas cada vez se vuelven más avanzadas, sobre todo, en el subtexto de la película, en la que nos acerca a la desesperanza, que resulta ser el mayor miedo de todo ser humano y cómo éste reacciona ante ello.

La película en un principio podrá parecer absurda, aburrida y ridícula, pero ésta se nos va revelando no sólo como una posible teoría del Apocalipsis, sino también como la pérdida de la esperanza, de la fe, todo esto acompañado de una de las mejores musicalizaciones que he tenido el privilegio de escuchar en mi vida.

Ayer en tumblr, me encontré una clave para atender esta película que les pondré a continuación:

 

Podemos ver en la imagen de la izquierda una pintura que aparece en 'Melancolía', la segunda imagen, que pertenece a la película 'Solaris' del director Andrei Tarkovski, la cual trata de un planeta que puede ver los deseos más profundos de cualquiera que esté cerca de él y lo hace presente ante la persona. En ambas películas se explora y cuestiona a la raza humana y su pureza, sus sentimientos, sus deseos y lo que esperamos del mundo. Interesante observación...

Así es como Von Trier, en una película un tanto larga y tediosa, procura restregarnos en la cara que no todo tiene un final feliz, que no todo está hecho para complacer al humano. Trata de hacernos ver la otra cara de la moneda, en la que efectivamente somos víctimas día a día del sufrimiento que nos provocan los demás y no sólo lo dice en esta frase Justine, protagonizada por Kirsten Dunst: 'Nadie extrañará a la Tierra, porque la vida en ella es terrible', sino que en la primera parte nos da una probadita de lo odiosos y malos que podemos llegar a ser, incluso en los momentos que más anhelamos.

Un gran maestro narrador, que en vez de quedarse estancado, decide ascender y mostrarle al humano lo que es, mostrarle la decepción que a veces podemos ser, tanto a la nivel sociedad como individual y como planeta... al final, la melancolía puede ser letal.

The All Movie Blog Lamenta la muerte del cineasta Alfredo Joskowicz

Uno de los gallos de la enseñanza cinematográfica en México falleció el pasado 5 de julio del presente. Para todos aquellos que aspiramos al ejercicio cinematográfico representa una gran pérdida.

Descanse en paz.

"Los Descendientes" El viaje épico de papá de bar de Hotel

¿Papá de bar? Deberían de meter este término al urbandictionary pero por ahora yo se los explico: típico papá que está de vacaciones y casualmente se pelea con su esposa, su único refugio es el bar del Lobby de su hotel predilecto, en el cual pide un vodka tonic/whisky en las rocas y reflexiona sobre su vida de manera introspectiva mientras observa cautelosamente a la gente a su alrededor y se dice a sí mismo: 'Dios mío, estoy jodido'. Sí, una descripción un tanto extensa y no es exactamente la situación de George Clooney en esta película, sin embargo encontrarán muchas semejanzas.

En fin, un viaje épico moderno no necesariamente incluye héroes, (estamos en la época de los anti-héroes, ¡por dios!) y éste es otro de los muchos ejemplos que encontraremos este tipo de tramas, en la que, un papá de bar de Hotel alejado de su familia, se enfrenta ante el estado de coma de su esposa y cuando se entera de que ésta va a morir, se decide a unirse a su familia para dar la terrible noticia pero en medio de esto se da cuenta de que su esposa le puso el cuerno, en lo cual empieza su gran viaje épico junto a sus dos hijas y a un sujeto bastante peculiar. Todo esto transcurre al mismo tiempo que el terreno de sus tatarabuelos Hawaiianos está a punto de ser vendido a una importante cadena de hoteles.

Sabemos que esta historia la hemos visto en millones de escenarios diferentes, sin embargo, después de ver "J. Edgar", esto parece un verdadero alivio cinematográfico, en el cual los elementos narrativos convencionales aparecen de nuevo, sin embargo, eso no le quita que sea una película digna de verse, de preferencia en familia y volteando a ver a su respectivo padre de Bar de Hotel, que seguramente se sentirá identificado con Clooney. 

Hablando de las actuaciones de Clooney, creo que es pertinente decir que esta no es la mejor actuación del mismo, en primera, porque a pesar de que ya se le notan sus años, siempre será un seductor ermitaño e irresistible; y segunda, por su llanto de cocodrilo de persona sin piedad no nos conmueve lo suficiente. Prefiero mil veces su actuación en 'Up in the Air'. Esto no significa que no haya desarrollado un buen personaje dentro de lo que a Clooney corresponde.

Elementos como la hija menor (Amara Miller), la abuela/suegra de Clooney: 'Tutu' (Barbara Southern) y el sujeto que mencionaba anteriormente: Sid (Nick Krause), son los que realmente impulsan y conmueven durante toda la película, lamento decir que la actuación de Shailene Woodley (hija mayor) me parece indiferente. Por los elementos necesarios mencionados anteriormente, parecen tener un futuro prometedor.

Una tragicomedia moderna y convencional que trae como nuevo atractivo el destino turístico de Hawaii, no más, sin embargo una de las opciones más recomendables de la cartelera actual, una felicitación moderada al señor Alexander Payne.

'Tenemos que hablar de (lo buena que está) Kevin'

Como alguna vez dijo Tarkovski: 'Una película puede, muy bien, prescindir de sus actores', estoy en completo acuerdo con él, sin embargo, creo que los actores poseen una magia inexplicable, su trabajo frente a la cámara es de una entrega que no cualquiera posee, es como si se dijeran 'ey, director X, ante esta cámara, te entrego todo lo que soy (y lo que no también)' y si uno le rinde cuentas a estas palabras, su actuación resulta ser una joya irreemplazable, perfecta e inmortal.

Tal es el caso de la actriz Tilda Swinton, a quien en lo personal admiro de sobremanera, en este filme, ella literalmente entrega sus emociones ante la cámara para representar a la madre de Kevin, un niño problema que siempre ha tenido empeño en hacer sufrir a su madre, sea la manera en que sea. Suena fácil representar este papel, cualquiera puede gritarle a su hijo y despreciarlo de a ratos. Lo eternamente sorprendente de Tilda, es su desprecio por el chico, ojalá y los que no la hayan visto puedan admirar la mirada de ella desde el principio, desde que Kevin es un hermoso y chillón bebé. Hay cosas en las malas actuaciones que por más que perfeccionemos nunca podremos corregir y es ciertamente, nuestra creencia en el papel que desarrollamos y esto únicamente se refleja en la mirada. ¿Cómo es que Tilda logra despreciar a su propio hijo?

En fin, no estamos aquí simplemente para alagar a Tilda, la película en sí es un regalo al cine actual, lleno de metáforas, de miradas de odio y de una línea narrativa excepcional.
Al principio nos parecerá el típico cine indie de reflexión existencial, pero su trama nos lleva a un tema silenciado y cada vez más común: el horror de vivir con un hijo que te odia, ¿cómo se vive con eso? ¿se puede vivir? Una historia perturbadora en la que mayoritariamente se le hecha la culpa al hijo y es el punto de la directora declarar a Tilda inocente.

Psicológicamente podemos analizar a un niño de esta índole como una persona rechazada por su madre a la hora del nacimiento, el bebé se comunica con su madre a través de la mirada y si ésta tiene una mirada vacía o ambivalente, posiblemente nunca se formará ese vínculo de amor y conexión entre los dos, que probablemente no dará cabida a un apego. Tilda es una mujer excepcional y durante las primeras escenas de Kevin siendo bebé logró captar esa mirada de rechazo y casualmente, la conserva hasta el final de la película. No hay una pizca de amor en ese rostro frío pero sonriente. Así que pensemos seriamente si la culpa es de Kevin.

Me molesta que no se enfatice esta cuestión y ciertamente no se haga completamente explícito el rechazo de la madre ante su hijo, para hacerlo quedar mal a él. Es un punto ambiguo de la película que deja muchas dudas sin resolver, lo que en mi opinión, no puede ser en el cine.

A fin de cuentas una película fatalista y con un encanto fotográfico único, expresa a la perfección gracias a las actuaciones y situaciones planteadas, una sensación de inseguridad y desesperanza que pocos podemos concebir. Para los corazones de pollo esto puede culminar en un trauma.

Sin embargo, el trabajo de Lynne Ramsay es muy sensitivo y perturbador, definitivamente la película merecedora de una nominación a los cada vez más ciegos Oscares (aunque estar en la Selección Oficial de Cannes tampoco es cualquier cosa), pocas películas conservan esta genuidad y subjetividad objetiva ante una cámara, una sinceridad y un fatalismo totalmente plausibles.

Totalmente recomendable.

Lolita vs. Lolita

¿Coincidencia que se parezcan tanto?

Adaptar una obra literaria a la pantalla grande siempre resulta en una decepción para aquellos que leyeron el libro, la realidad es que no concebimos que una adaptación es muy diferente a una réplica página por página de la novela. En el caso de esta obra literaria del escritor Vladimir Nabokov, no se salva, es más, tenemos hasta dos adaptaciones de su obra cumbre, las cuales aun al guiarse por el mismo libro, tienen puntos de vista y de entendimiento completamente diferentes, los cuales enlistaremos a continuación.

Pero no podemos continuar sin antes saber qué hace a esta obra una exquisita presa de la cinematografía, la cual se basa en la estancia de Humbert Humbert, un escritor europeo, en los Estados Unidos, quien llega a alquilar un cuarto en la casa de la viuda Charlotte Haze, que por sí misma no atrae a Humbert, pero en cuanto éste descubre a su hija preadolescente Dolores, se enamora perdidamente de ella. Eventos desafortunados nos conducen a la muerte de Charlotte, siendo arrollada por un auto afuera de su casa, lo cual Humbert aprovecha inmediatamente para conquistar a la pequeña Lolita, quien a fin de cuentas, resulta muy precoz e igual de enamorada que Humbert. El pecaminoso camino al que nos lleva esta obra escrita en 1955 también nos conducen a problemas morales a la hora de querer adaptarla a la pantalla, siendo coscientes de que un romance entre un cuarentón y una niña de doce no es muy bien aceptado y visto ante la sociedad, y menos cuando se asume que el romance no es precisamente caricias y besos en la mejilla.

El libro por sí mismo tiene un grado elegante y muy bien dosificado de erotismo, el cual, desde mi punto de vista, es esencial en el desarrollo de la trama y la curiosidad e imaginación de cualquier lector (suponiendo que uno se acerca a este libro libre de prejuicios morales), pero es entendible, que al llevarlo a la pantalla surge un conflicto mayor, ya que, no cualquier adolescente va a permitir que un cuarentón, incluso siendo actor, la toque y mucho menos, la bese. Así que la primera adaptación, hecha apenas unos 7 años después de la publicación del libro, está restringida de todos esos recursos eróticos del libro y en su lugar, se vuelve una película de misterio y persecución de estos dos amantes que atentan contra la ley, esto quiere decir que el director Stanley Kubrick y el guionista que afortunadamente fue Vladimir Nabokov, llegaron a un acuerdo de reemplazar todo esa tensión erótica con suspenso criminal, de no poner tanto énfasis en el romance y la tentación que esta pareja sufre, sino en esquivar al enemigo, en huir. Aún así, no hay que descartar el ingenio que Kubrick tiene para mostrar sin embargo, todo el encanto y sensualidad de esta niña, haciéndola evidente pero sin despertar ningún tipo de deseo hacia esta Lolita, interpretada por Sue Lyon.

La relación se ve realmente afectada por problemas morales
lo cual la hace ver más como una relación padre-hija y
no de amantes.

El paso de los años y nuevas tendencias cinematográficas, al igual que la libertad moral que empieza a expanderse, permiten a Lyne crear una versión más parecida a lo que se quería lograr con Lolita desde un principio, esto es, enfatizar la relación entre Lolita y Humbert Humbert, evocar (y no precisamente con sexo) un deseo más obvio y que precisamente dan lugar a una emoción dentro del espectador. Los constantes jugueteos que hace Lolita alrededor de Humbert crean una tensión sexual muy evidente, y vemos en Lolita, interpretada podentes en el libro. El color por otra parte, le dan igualmente otra perspectiva a la película, el constante uso de rojos y colores vivos, incrementan en Lolita la sensualidad. No olvidemos a Humbert Humbert, interpret interpretado por Jeremy Irons, quien refleja aunque de la misma manera una paternidad hacia la nínfula, no olvida también ser presa del encanto y de la pasión que ésta le inyecta como un veneno. Esta segunda adaptación, al librarse de restricciones morales, se permite expresar mejor la idea que muchos lectores teníamos de esta novela, tanto de desarrollar mejor la trama, permitirse algunos gags y juegos sexuales entre estos dos per  Esta vez, no se descuida ninguno de los dos aspectos primordiales, que son, la relación entre ellos dos y la persecución que sufren, de hecho es increíble cómo Lolita nunca pierde esa inocencia y esa astucia tan evidentes en el libro. El color por otra parte, le dan igualmente otra perspectiva a la película, el constante uso de rojos y colores vivos, incrementan en Lolita la sensualidad. No olvidemos a Humbert Humbert, interpretado por Jeremy Irons, quien refleja aunque de la misma manera una paternidad hacia la nínfula, no olvida también ser presa del encanto y de la pasión que ésta le inyecta como un veneno. Esta segunda adaptación, al librarse de restricciones morales, se permite expresar mejor la idea que muchos lectores teníamos de esta novela, tanto de desarrollar mejor la trama, permitirse algunos gags y juegos sexuales entre estos dos personajes que la hacen, aclaro, desde mi punto de vista, la más cercana a la novela y la de mi preferencia, porque como he mencionado, da mayor forma a la relación primordial en el libro y la hace más genuina, no existe ese miedo a sobrepasar algún límite, tal y como Nabokov no lo tuvo al contarlo en el libro.

Aun cuando la primera adaptación es la más conocida y aceptada por la mayoría, permítanse ver esta segunda adaptación, que parece ser como la venganza de todo lo que no se pudo expresar en la primera, las dos a su manera son excelentes archivos cinematográficos, pero creo que el libre albedrío siempre le dará un plus a la segunda, por más que Kubrick se las haya ingeniado para presentar el erotismo, éste no se compara con la carga erótica que la segunda tiene, las dos se complementan y las dos merecen el mismo aplauso.