"Los Descendientes" El viaje épico de papá de bar de Hotel

¿Papá de bar? Deberían de meter este término al urbandictionary pero por ahora yo se los explico: típico papá que está de vacaciones y casualmente se pelea con su esposa, su único refugio es el bar del Lobby de su hotel predilecto, en el cual pide un vodka tonic/whisky en las rocas y reflexiona sobre su vida de manera introspectiva mientras observa cautelosamente a la gente a su alrededor y se dice a sí mismo: 'Dios mío, estoy jodido'. Sí, una descripción un tanto extensa y no es exactamente la situación de George Clooney en esta película, sin embargo encontrarán muchas semejanzas.

En fin, un viaje épico moderno no necesariamente incluye héroes, (estamos en la época de los anti-héroes, ¡por dios!) y éste es otro de los muchos ejemplos que encontraremos este tipo de tramas, en la que, un papá de bar de Hotel alejado de su familia, se enfrenta ante el estado de coma de su esposa y cuando se entera de que ésta va a morir, se decide a unirse a su familia para dar la terrible noticia pero en medio de esto se da cuenta de que su esposa le puso el cuerno, en lo cual empieza su gran viaje épico junto a sus dos hijas y a un sujeto bastante peculiar. Todo esto transcurre al mismo tiempo que el terreno de sus tatarabuelos Hawaiianos está a punto de ser vendido a una importante cadena de hoteles.

Sabemos que esta historia la hemos visto en millones de escenarios diferentes, sin embargo, después de ver "J. Edgar", esto parece un verdadero alivio cinematográfico, en el cual los elementos narrativos convencionales aparecen de nuevo, sin embargo, eso no le quita que sea una película digna de verse, de preferencia en familia y volteando a ver a su respectivo padre de Bar de Hotel, que seguramente se sentirá identificado con Clooney. 

Hablando de las actuaciones de Clooney, creo que es pertinente decir que esta no es la mejor actuación del mismo, en primera, porque a pesar de que ya se le notan sus años, siempre será un seductor ermitaño e irresistible; y segunda, por su llanto de cocodrilo de persona sin piedad no nos conmueve lo suficiente. Prefiero mil veces su actuación en 'Up in the Air'. Esto no significa que no haya desarrollado un buen personaje dentro de lo que a Clooney corresponde.

Elementos como la hija menor (Amara Miller), la abuela/suegra de Clooney: 'Tutu' (Barbara Southern) y el sujeto que mencionaba anteriormente: Sid (Nick Krause), son los que realmente impulsan y conmueven durante toda la película, lamento decir que la actuación de Shailene Woodley (hija mayor) me parece indiferente. Por los elementos necesarios mencionados anteriormente, parecen tener un futuro prometedor.

Una tragicomedia moderna y convencional que trae como nuevo atractivo el destino turístico de Hawaii, no más, sin embargo una de las opciones más recomendables de la cartelera actual, una felicitación moderada al señor Alexander Payne.

'Tenemos que hablar de (lo buena que está) Kevin'

Como alguna vez dijo Tarkovski: 'Una película puede, muy bien, prescindir de sus actores', estoy en completo acuerdo con él, sin embargo, creo que los actores poseen una magia inexplicable, su trabajo frente a la cámara es de una entrega que no cualquiera posee, es como si se dijeran 'ey, director X, ante esta cámara, te entrego todo lo que soy (y lo que no también)' y si uno le rinde cuentas a estas palabras, su actuación resulta ser una joya irreemplazable, perfecta e inmortal.

Tal es el caso de la actriz Tilda Swinton, a quien en lo personal admiro de sobremanera, en este filme, ella literalmente entrega sus emociones ante la cámara para representar a la madre de Kevin, un niño problema que siempre ha tenido empeño en hacer sufrir a su madre, sea la manera en que sea. Suena fácil representar este papel, cualquiera puede gritarle a su hijo y despreciarlo de a ratos. Lo eternamente sorprendente de Tilda, es su desprecio por el chico, ojalá y los que no la hayan visto puedan admirar la mirada de ella desde el principio, desde que Kevin es un hermoso y chillón bebé. Hay cosas en las malas actuaciones que por más que perfeccionemos nunca podremos corregir y es ciertamente, nuestra creencia en el papel que desarrollamos y esto únicamente se refleja en la mirada. ¿Cómo es que Tilda logra despreciar a su propio hijo?

En fin, no estamos aquí simplemente para alagar a Tilda, la película en sí es un regalo al cine actual, lleno de metáforas, de miradas de odio y de una línea narrativa excepcional.
Al principio nos parecerá el típico cine indie de reflexión existencial, pero su trama nos lleva a un tema silenciado y cada vez más común: el horror de vivir con un hijo que te odia, ¿cómo se vive con eso? ¿se puede vivir? Una historia perturbadora en la que mayoritariamente se le hecha la culpa al hijo y es el punto de la directora declarar a Tilda inocente.

Psicológicamente podemos analizar a un niño de esta índole como una persona rechazada por su madre a la hora del nacimiento, el bebé se comunica con su madre a través de la mirada y si ésta tiene una mirada vacía o ambivalente, posiblemente nunca se formará ese vínculo de amor y conexión entre los dos, que probablemente no dará cabida a un apego. Tilda es una mujer excepcional y durante las primeras escenas de Kevin siendo bebé logró captar esa mirada de rechazo y casualmente, la conserva hasta el final de la película. No hay una pizca de amor en ese rostro frío pero sonriente. Así que pensemos seriamente si la culpa es de Kevin.

Me molesta que no se enfatice esta cuestión y ciertamente no se haga completamente explícito el rechazo de la madre ante su hijo, para hacerlo quedar mal a él. Es un punto ambiguo de la película que deja muchas dudas sin resolver, lo que en mi opinión, no puede ser en el cine.

A fin de cuentas una película fatalista y con un encanto fotográfico único, expresa a la perfección gracias a las actuaciones y situaciones planteadas, una sensación de inseguridad y desesperanza que pocos podemos concebir. Para los corazones de pollo esto puede culminar en un trauma.

Sin embargo, el trabajo de Lynne Ramsay es muy sensitivo y perturbador, definitivamente la película merecedora de una nominación a los cada vez más ciegos Oscares (aunque estar en la Selección Oficial de Cannes tampoco es cualquier cosa), pocas películas conservan esta genuidad y subjetividad objetiva ante una cámara, una sinceridad y un fatalismo totalmente plausibles.

Totalmente recomendable.

Lolita vs. Lolita

¿Coincidencia que se parezcan tanto?

Adaptar una obra literaria a la pantalla grande siempre resulta en una decepción para aquellos que leyeron el libro, la realidad es que no concebimos que una adaptación es muy diferente a una réplica página por página de la novela. En el caso de esta obra literaria del escritor Vladimir Nabokov, no se salva, es más, tenemos hasta dos adaptaciones de su obra cumbre, las cuales aun al guiarse por el mismo libro, tienen puntos de vista y de entendimiento completamente diferentes, los cuales enlistaremos a continuación.

Pero no podemos continuar sin antes saber qué hace a esta obra una exquisita presa de la cinematografía, la cual se basa en la estancia de Humbert Humbert, un escritor europeo, en los Estados Unidos, quien llega a alquilar un cuarto en la casa de la viuda Charlotte Haze, que por sí misma no atrae a Humbert, pero en cuanto éste descubre a su hija preadolescente Dolores, se enamora perdidamente de ella. Eventos desafortunados nos conducen a la muerte de Charlotte, siendo arrollada por un auto afuera de su casa, lo cual Humbert aprovecha inmediatamente para conquistar a la pequeña Lolita, quien a fin de cuentas, resulta muy precoz e igual de enamorada que Humbert. El pecaminoso camino al que nos lleva esta obra escrita en 1955 también nos conducen a problemas morales a la hora de querer adaptarla a la pantalla, siendo coscientes de que un romance entre un cuarentón y una niña de doce no es muy bien aceptado y visto ante la sociedad, y menos cuando se asume que el romance no es precisamente caricias y besos en la mejilla.

El libro por sí mismo tiene un grado elegante y muy bien dosificado de erotismo, el cual, desde mi punto de vista, es esencial en el desarrollo de la trama y la curiosidad e imaginación de cualquier lector (suponiendo que uno se acerca a este libro libre de prejuicios morales), pero es entendible, que al llevarlo a la pantalla surge un conflicto mayor, ya que, no cualquier adolescente va a permitir que un cuarentón, incluso siendo actor, la toque y mucho menos, la bese. Así que la primera adaptación, hecha apenas unos 7 años después de la publicación del libro, está restringida de todos esos recursos eróticos del libro y en su lugar, se vuelve una película de misterio y persecución de estos dos amantes que atentan contra la ley, esto quiere decir que el director Stanley Kubrick y el guionista que afortunadamente fue Vladimir Nabokov, llegaron a un acuerdo de reemplazar todo esa tensión erótica con suspenso criminal, de no poner tanto énfasis en el romance y la tentación que esta pareja sufre, sino en esquivar al enemigo, en huir. Aún así, no hay que descartar el ingenio que Kubrick tiene para mostrar sin embargo, todo el encanto y sensualidad de esta niña, haciéndola evidente pero sin despertar ningún tipo de deseo hacia esta Lolita, interpretada por Sue Lyon.

La relación se ve realmente afectada por problemas morales
lo cual la hace ver más como una relación padre-hija y
no de amantes.

El paso de los años y nuevas tendencias cinematográficas, al igual que la libertad moral que empieza a expanderse, permiten a Lyne crear una versión más parecida a lo que se quería lograr con Lolita desde un principio, esto es, enfatizar la relación entre Lolita y Humbert Humbert, evocar (y no precisamente con sexo) un deseo más obvio y que precisamente dan lugar a una emoción dentro del espectador. Los constantes jugueteos que hace Lolita alrededor de Humbert crean una tensión sexual muy evidente, y vemos en Lolita, interpretada podentes en el libro. El color por otra parte, le dan igualmente otra perspectiva a la película, el constante uso de rojos y colores vivos, incrementan en Lolita la sensualidad. No olvidemos a Humbert Humbert, interpret interpretado por Jeremy Irons, quien refleja aunque de la misma manera una paternidad hacia la nínfula, no olvida también ser presa del encanto y de la pasión que ésta le inyecta como un veneno. Esta segunda adaptación, al librarse de restricciones morales, se permite expresar mejor la idea que muchos lectores teníamos de esta novela, tanto de desarrollar mejor la trama, permitirse algunos gags y juegos sexuales entre estos dos per  Esta vez, no se descuida ninguno de los dos aspectos primordiales, que son, la relación entre ellos dos y la persecución que sufren, de hecho es increíble cómo Lolita nunca pierde esa inocencia y esa astucia tan evidentes en el libro. El color por otra parte, le dan igualmente otra perspectiva a la película, el constante uso de rojos y colores vivos, incrementan en Lolita la sensualidad. No olvidemos a Humbert Humbert, interpretado por Jeremy Irons, quien refleja aunque de la misma manera una paternidad hacia la nínfula, no olvida también ser presa del encanto y de la pasión que ésta le inyecta como un veneno. Esta segunda adaptación, al librarse de restricciones morales, se permite expresar mejor la idea que muchos lectores teníamos de esta novela, tanto de desarrollar mejor la trama, permitirse algunos gags y juegos sexuales entre estos dos personajes que la hacen, aclaro, desde mi punto de vista, la más cercana a la novela y la de mi preferencia, porque como he mencionado, da mayor forma a la relación primordial en el libro y la hace más genuina, no existe ese miedo a sobrepasar algún límite, tal y como Nabokov no lo tuvo al contarlo en el libro.

Aun cuando la primera adaptación es la más conocida y aceptada por la mayoría, permítanse ver esta segunda adaptación, que parece ser como la venganza de todo lo que no se pudo expresar en la primera, las dos a su manera son excelentes archivos cinematográficos, pero creo que el libre albedrío siempre le dará un plus a la segunda, por más que Kubrick se las haya ingeniado para presentar el erotismo, éste no se compara con la carga erótica que la segunda tiene, las dos se complementan y las dos merecen el mismo aplauso.

"Vírgenes Suicidas" la salvación de las teen antes de "Twilight"

Sofia Coppola es de las pocas directoras conocidas alrededor del mundo, sobre todo porque su padre es el famoso creador de la saga de "El Padrino", que resulta ser una de las películas más respetadas del cine. En fin, en cuanto a lo que su hija ha aportado al cine es un lado rosa, y por esto no me refiero a cursilerias ni nada por el estilo; me refiero más bien, a una sensibilidad que pocos hombres (o ninguno) saben retratar en los personajes femeninos de sus historias. Sofia Coppola, al ser una de las pocas directoras conocidas y aceptadas, se convierte instantáneamente en una de las "mejores". Desde mi punto de vista, como mujer, Sofia Coppola es una de las mujeres más ordinarias en cuanto a su forma de contar historias y una de las cineastas más sobrevaloradas.

En "Vírgenes Suicidas" se gana el aplauso del público por contar una realidad de las adolescentes, al entrar en la vida de la familia Lisbon conformada por un padre y madre y cinco adorables jovencitas que, como cualquier adolescente, quieren experimentar con su sexualidad, pero una increíble represión de parte de sus padres las va ahuyentando de todas esas posibilidades. Probablemente este tema hoy en día se nos haga tan normal como cualquier western, pero esta película inició todo un movimiento basado en la incomprensión de las señoritas que continuó con películas como "A Los Trece" y la más recientemente alabada "Twilight".

Mercadológicamente hablando, los adolescentes son un público muy complicado y hasta hace poco tiempo, muy desatendido; siempre se han definido las películas para adultos y las películas para niños, pero los adolescentes son como la canción de Britney Spears que dice "I'm Not a Girl, not Yet a Woman", así que para este público resulta aburrido ir a ver dibujos animados y a la vez, no los dejan entrar a ver películas de adultos, por lo que los 90's se basaron en este hecho para hacerlo la generación de los jóvenes incomprendidos, de las jovencitas reprimidas y de una gran curiosidad por lo prohibido. Así pues, la señorita Coppola fue bastante inteligente al comprender COMO MUJER esta necesidad y proyectarla en una película con la que las teen se identificaran. Y de hecho, cuando la más chica de las hermanas trata de suicidarse y es llevada al hospital, el Doctor le pregunta el porqué de acabar con su vida a temprana edad, si todavía le quedan muchas cosas por vivir, y ésta responde con la frase a la que se le debe el 70% del éxito de esta película: "Usted nunca ha sido una chica de 13 años"

Ahora que he explicado el rotundo éxito de este film, les comparto mi punto de vista y les digo que esto es una prueba de lo vulnerables que somos a la mercadotecnia cuando nos sentimos incomprendidos. Al analizar con cuidado la forma de contar historias de Sofia Coppola, siempre choco con ella al sentir que no es capaz de transmitir sentimientos, es más, como mujer, su sensibilidad es poquísima cosa. En esta película, no me gusta siquiera la manera en la que construye su línea dramática, pero cabe mencionar que en "Perdidos en Tokio" es muy respetable, sin embargo, en esta película le falta tensión, le falta empatía con los personajes, le falta ser universal. A la hora del clímax le falta pasión y muchísima tragedia, es un tema catastrófico y muy triste y ella lo demuestra como poca cosa, cuando pudo haber explotado al máximo ese sentimiento que todos teníamos atorado en el estómago, pero no. Y esto no lo logró gracias a una mala utilización de recursos dramáticos, por ejemplo, al principio uno piensa que la fotografía es más azul que un Avatar porque tiene un significado dramático, pero después utiliza este azul en escenas que no tienen nada que ver con el sentimiento que proyectan, se pierde el significado y se pierde la mera transmisión de ese sentimiento.

Analicen bien, ésta mujer saca sólo el 60% de lo que pudo haber hecho con esta película, una visión aún más sensible pudo haber concedido a esta mujer ser una cineasta de culto desde el principio.

Será irónico que les diga esto pero, definitivamente vale la pena verla
Aquí les dejo el trailer.

"Les Amours Imaginaires": El Triángulo Amoroso Idealístico

¿Cuántas veces hemos visto triángulos amorosos? Incluso si prendemos la televisión y ponemos esas novelas tipo "El Privilegio de Amar" y esas cosas, nos encontraremos uno de seguro. Y es que, una historia de amor no ofrece tal conflicto como lo ofrecen las palabras: "Es que hay alguien más". 

Lo chistoso y lo original de estas tres líneas que representan lazos, es que se pueden presentar en infinitas combinaciones, como vimos con "Crepúsculo": una humana, un vampiro y un hombre lobo o como en "Teorema" que ya parecía más un pentágono que un triángulo que se construía a través del amor completo de una familia hacia una especie de Adonis, y así nos podemos seguir hasta el fin de los tiempos averiguando todas posibilidades...

Pero hay uno que en lo personal me gusta muchísimo, y es el que este film ofrece, el de la idealización; de pronto llega un ser de sexo indiferente a nuestras vidas, que parece ser Afrodita, Psique, David, en fin, cualquier símbolo de la belleza universal y nos mueve el mundo, pero es obvio que al encontrar esta perfección no nos encontraremos solos en nuestra admiración y amor hacia ellos, y lo peor viene cuando nuestro mejor amigo/ amiga resulta ser ése tercero.

Xavier Dolan, el director de esta cinta, quien apenas tiene 22 años de edad, nos ofrece una visión fresca, lírica, melódica, chic y simple de este conflicto tan común en el arte, aparte de que nos ofrece un trabajo complicado de dualidad al ser él mismo uno de los actores.

Si recuerdan aquella hermosa película de Wong Kar Wai llamada "Deseando Amar" encontraremos que Dolan aspira de la misma manera que Kar Wai, a crear a través de la música muchas de sus funciones líricas y  recurre al color para mostrarnos las escenas líricas sexuales. Es una visión que recurre al cliché y a la vez nos muestra la gran pasión y aprehensión que Dolan le tiene al arte, no sólo en la composición óptica de sus cuadros, sino también a través de sus diálogos, vestuario, locaciones y personajes. 

Probablemente esta película se vuelva de las favoritas de los hipsters, sin embargo, esta película no es pretenciosa y abstracta como para que "nadie le entienda", sino todo lo contrario, es simple, es musical y es cómica, no pretende mas bien transmite, no se enreda, se aligera. 

Ampliamente recomendable y por lo mientras Dolan ya se gana su distinción como director.

"Los 400 Golpes", Truffaut se consagra como director

Cuando la gente llega y te dice, "¡tienes que ver 'Los 400 Golpes'!" les puedo garantizar que lo dicen con toda la intención del universo, y es una esas películas de las que se desconoce su magnitud hasta que uno mismo presencia su grandeza. Imposible ver algo parecido y comparable, ciertamente una obra maestra.

¿Qué se sentirá entrar a la pubertad sabiendo que eres incomprendido? Fácil... ¿Qué se sentirá entrar a la pubertad sabiendo que eres incomprendido y que tu madre le es infiel a tu padre?  La rebeldía te consume al ver que eres sólo un criado de tus padres, al ver que no comprenden que te suspenden en el colegio por escribir poemas en las paredes, de pronto estás tú y sólo tú en este mundo, en la etapa en que más apoyo necesitas, te das cuenta de que es mejor que estés contigo mismo a volver a un hogar en donde ni siquiera intentan escucharte. Bienvenidos a la vida de Antoine Doinel. 

¿Qué? ¿Se sintieron identificados? Pues será difícil no sentirlo, ya que el tema que toca el genio Truffaut siempre será vigente, es decir, toca un tema que nunca pasará de moda; la incomprensión del adolescente es y siempre será de gran utilidad para el cine. Ahora que, pasando de una de sus genialidades a otra, encontramos que ahora todos sacan su película con Ellen Page sobre la adolescente incomprendida que disfruta de escuchar a Iggy Pop en su diván, y será que eso se parece a lo que hizo Truffaut...

Desgraciadamente, no encontraremos a estos adolescentes superficiales en esta película. Encontraremos en su lugar un viaje introspectivo de la mente de un adolescente tan bien planteado en una realidad, y a la vez tan heróico, nos quedaremos pasmados al ver que pudimos ser los héroes de nuestra adolescencia así como Antoine Doinel lo fue. 

Una exquisita mezcla entre un personaje tremendamente bien estructurado y estudiado que nos hará caer en su simpatía de chico rebelde y una inmensa tristeza a la par de ver cómo este chico sufre los acontecimientos que para otros pasaron desapercibidos. Un manejo de la narrativa más que increíble, y se ve que Truffaut fue este personaje alguna vez en su vida, ya que no hay otra manera en la que este filme le hubiera salido tan bien.

Y así, sólo por entregarse a un pedazo de papel y luego una infinidad de imágenes que proyectaban claramente la tristeza y la incomprensión de un chico solo en el mundo, es que Truffaut se inmortaliza y ciertamente, puede llamarse uno de los Grandes Directores de Cine.